ILUSTRADOR SERGE

Aprendiz y maestro

 

Autoretrato - Estilo Disgaea2 (su videojuego favorito)

 
Serge (Sergio Gómez), también conocido como Nekoiichi, es un ilustrador freelance, historietista y profesor de manga en la Escuela DaVinci, nacido y criado en Comodoro Rivadavia, Chubut. Publicó en 2010 su primera página de historieta en la revista Bardo. 

En el 2009 se muda Capital Federal, Buenos Aires, donde al año siguiente es ganador del Concurso de Dibujo de la Anicon. En el mismo año hace el curso de manga en la Nichia Gakuin, para mejorar principalmente su narrativa. A su vez conoce a Samanta Niz y a Fabián González quienes lo invitan a formar parte de Keiten Group.

Junto con ellos, en el 2013, publica la segunda parte del manga “Na ne ni Love”, en el tomo de Ymir de la Editorial Larp (la primera parte, en 2012, fue trabajo solamente de Samanta y Fabián). También realizó los dibujos para la animación de “Gameman”, para “Malditos Nerds” de la RadioVorterix Rock.

Es por la calidad de “Na ne ni Love”, que Larp les permite presentar un manga más serializado fuera de lo que es Ymir y en 2014 comienza a publicarse “Somy Somy Login Game”. Sale en formato de 100 páginas y al año siguiente se reedita en un tomo de 200 páginas, incluyendo lo que en principio iba a ser el segundo tomo. La serie sigue abierta al día de hoy. 

También realizó el storyboard, los bocetos y tintas para el manga  “El Sacrificio de Deigamer”, con guion de David Medina, colores y efectos de Samanta y diseño gráfico y maquetación de Fabián, para la editorial Planeta de Agostini. Se publicó en 2016. Actualmente se encuentra trabajando en algunos proyectos freelance, algunos de ellos solamente de ilustración, otros de comic/manga.

Además de su amor por la ilustración, es fanático de Les Luthiers, Queen y de las películas ochentosas, sobre todo las que tienen animatronics y efectos visuales (Aliens, Predator, etc.). 

"A todos les gusta los chibis"

¿Por qué la preferencia por el estilo manga/anime?
Viene más o menos por una nula paciencia con respecto al estilo de dibujo más bien americano o europeo. Cuando empecé a dibujar (desde muy chico) siempre dibujé estilo cartoon. Con mi hermano nos la pasábamos dibujando historietas propias y también de personajes que veíamos en la tele o en los videojuegos. Pasó que al ir creciendo nos fuimos volcando a historietas un poco más serias: mi hermano empezó a practicar el estilo americano basándose en los comics de X-Men, pero yo no lograba descifrarlo, seguía dibujando a Ren y Stimpy o a Sonic.

Cuando aparece el nuevo boom del manga/anime en el año 96-97, y por la influencia de Caballeros del Zodíaco, Dragon Ball y Sailor Moon, me di cuenta que no era un estilo de dibujo tan cargado como lo que veía en los comics de Marvel o DC. Además me resultaba más atractiva la narrativa. En mi opinión el manga tiene mucho derivado del cartoon con el tema de las expresiones y las caricaturas, mientras que en los comics occidentales rara vez se muestran cambios de ánimo mediante un cambio radical de estilo de dibujo (no es común ver que, por ejemplo, Wolverine al sorprenderse se vuelva algo como un chibi, ¿no?). Es por eso que la adaptación me resultó más natural, del estilo cartoon que venía haciendo al manga/anime que recién estaba re-descubriendo.

Dentro del boom de dibujantes de manga y anime de estos últimos años ¿Tomó mucho tiempo antes de encontrar tu propio estilo?
Sí. Vengo dibujando estilo manga/anime desde el 98, antes de eso todo era imitar a Caballeros, Dragon Ball y Sailor Moon. Pero con el paso del tiempo fui incorporando cosas de otros autores y medio que se volvió un híbrido de todo eso hasta llegar a lo que dibujo hoy. Creo que a todos nos pasa que el estilo es algo que se busca constantemente. Si bien el trabajo de cada uno tiene una impronta, uno siempre va a encontrar cosas nuevas o probar técnicas distintas. Creo que el estilo que manejo hoy por hoy se empezó a definir en 2009 y desde entonces siempre le voy puliendo algo con el paso del tiempo. Antes no le daba mucha bolilla al coloreado, por ejemplo, buscaba mejorar solamente las tintas y plenos negros.

2010-Nena arrastrando una lápida

¿Cómo surge la inspiración para crear personajes o historias?
Depende. Muchas veces me pasa de pensar en un concepto raro o a veces por juegos de palabras. Muchas veces es una combinación de los dos. Trato siempre de estar innovando aunque sea un poco en cuanto a dibujar temas archi-quemados se trata. Por ejemplo, cuando dibujé personajes como mis sirénidos quise escapar al concepto que todos tienen de las sirenas y les puse piernas con aletas. Para escapar un poco del cliché de la cola de pez, más que nada.

Otro caso es el de la mini historia que dibujé para el curso de Manga en la Nichia Gakuin en 2010; la idea surgió de pensar en una nena de 13 años arrastrando una lápida. El contraste medio truculento me hizo pensar que sería interesante hacer una historia con eso. Creo que más que nada trato de nunca subestimar al lector, siempre trato de hacer cosas que me gustaría leer a mí pero que también resulten interesantes para los demás. Aunque sea que digan “¡que loco que esta este tipo!”

¿Cómo describirías tu proceso creativo?
Usualmente pasa primero por tener café a mano. Mucho café. A la hora de dibujar, sea para mí o para algún encargo, siempre pienso la cámara, la pose y la composición de la imagen. Cómo va a estar, que se va a ver, que quiero transmitir. Después viene un boceto de cuatro líneas locas sin mucha definición, que es lo que llamo “armazón”, que me sirve para mantener proporciones y demás. Y a partir de ese armazón voy dibujando el boceto del personaje primero, y luego los fondos (si los hubiera). Antes el boceto lo hacía a lápiz y luego lo pasaba a tintas con una microfibra o un Rotring. Posteriormente era escanear los lápices y entintar con la tableta digitalizadora. Hoy en día todo lo hago en la PC: boceto, tintas, colores y/o tramados; son todos hechos digitalmente. Más que nada por una cuestión de espacio físico, ¡no tengo lugar para acumular más papeles! Aparte me resulta más cómodo para corregir los errores.

Pero siempre recomiendo, incluso a mis alumnos, que empiecen en papel para ganar firmeza en el pulso, y eso luego se transmita a un formato más digital. Hay que terminar con esa idea que la compu te hace todo. Son solamente herramientas diferentes, pero es el autor, el artista, el que pone el esfuerzo.  

¿Qué ilustradores históricos o contemporáneos admirás o tomás como modelo?
Ilustradores históricos no sabría responder en concreto, pero autores me gustan muchos y seguramente me voy a olvidar de la mayoría.

Si tengo que destacar a algunos, diría que Yuzo Takada (Blue Seed, 3x3 Eyes, Genzo) fue el que me inspiró a largarme a hacer mis propias historias y personajes. Antes de leerlo a él, me la pasaba copiando. Después tengo que mencionar a Akira Toriyama (Dragon Ball), el anime de Sailor Moon y a Shingo Araki (animación de Caballeros del Zodíaco) por ser los que me generaron el interés por el estilo y narrativa japonesa. Yoshihiro Togashi (Yuyu Hakusho, HunterxHunter) tiene una narrativa que me encanta y su trabajo es a lo que me gustaría llegar como autor, aunque algunos desmerezcan su dibujo. Takehiko Inoue (Slam Dunk, Vagabond) es una especie de semidios del manga, lo admiro muchísimo; Takehito Harada (diseñador de Disgaea) tiene trabajos que me encanta por su nivel de síntesis y coloreado, en Deviant Art admiro mucho a Gashi-Gashi y a Kamiomutsu, tanto por sus trazos y diseños como por sus colores… Y últimamente mi más admirado mangaka es Yusuke Murata, el dibujante de la versión mejorada de One Punch Man. Simplemente genial.
Y autores occidentales, me gusta mucho el trabajo de Sam Kieth (Sandman, The Maxx), Kevin Eastman (Tortugas Ninja!), John Krickfalusi (Ren y Stimpy), Frank Miller, Brian Bolland, Bruce Timm, Tyson Hesse, Harry Partridge y muchos más que seguramente me estoy olvidando.
Argentinos concretamente admiro mucho a Diego Parés, Caro Chinaski,  Pupi Herrera, Juan Bobillo, al dueto que forman Federico Reggiani y Ángel Mosquito (Tristeza, Vitamina Potencia),Quique Alcatena, Alejandra Lunik, Anibaleitor, Horacio Altuna y sigue la lista. Es una mezcla rara, pero hay muchas cosas que me gustan de todos y cada uno. 

Regalo a Kevin Eastman

¿Quién fue tu mayor influencia artística en tus comienzos?
Debería decir que mi hermano Diego. Con él compartimos mucho de las historietas, series, videojuegos y personajes; siempre estábamos dibujando o haciendo historietas propias. Había una especie de sana competencia a ver qué era lo que se mandaba el otro, y a ver qué era lo que decía al respecto. Diego desde chico fue mucho más crítico y observador que yo, y recuerdo muy bien cuando me comparó un personaje que yo había dibujado con todo el orgullo con uno estilo Chicas Superpoderosas. Me dijo algo así como “las caras te quedan bien, pero mirá, no tiene hombros, ni cintura ni talones, ¡le falta todo!”. Gracias a él fui puliendo lo que me faltaba.
Por otro lado, el cartoon de las Tortugas Ninjas fue lo que nos motivó a hacer historietas, así que calculo que es un referente que no puedo dejar pasar. Para la etapa de estilo manga/anime, los nombré en la pregunta anterior.

Como ilustrador e historietista te presentas a distintos eventos que tienen que ver con el mundo del manga y anime ¿Qué se siente ser parte de ese ambiente? ¿Cómo es tu relación con los demás ilustradores presentes en dichos eventos?
El ambiente está bueno, hay mucha gente muy talentosa y con mucha creatividad. Formar parte de algo así es algo que nunca hubiera pensado, ya que vengo de una ciudad en la que no había este tipo de eventos, así que nunca se me hubiera ocurrido la magnitud de los mismos. Dentro del ambiente me gusta esa amalgama que hay artistas de todo tipo: manga, cartoon clásico y actual, comic, escritores. Tengo en general muy buen trato con la mayoría, aunque hay muchos a los que no conozco. Soy de un perfil bastante bajo, me cuesta un poco entrar en confianza, pero las personas con las que me llevo bien hay muy buena química. Admiro mucho el trabajo de Lea Caballero, Paula Andrade, Camila Izaguirre, Grissel, entre muchos más (me falla un poco la memoria xD). Y sí, no me olvido del trabajo de mi media naranja, Mero, con quien espero que podamos publicar algo juntos algún día^^ (¡Sí, soy cursi pero me la banco! xD)

Hace tiempo venís dictando talleres sobre diseño de personaje en la Universidad de Palermo. Contanos tu experiencia.
Me sorprendió bastante la aceptación que tuvieron los talleres y conferencias, ya que no eran concretamente de diseño en sí, sino particularmente en temas referidos a lo que nos compete, que son el manga y el anime. Pese a todo la asistencia siempre superó nuestras expectativas: los chicos y chicas se engancharon bastante y nos demostraron mucha garra al hacer las prácticas. Y además hubo muy buena vibra por parte de los directivos de la UP. [Con Mero] pensábamos que nos iban a ver como algo “raro” o fuera de lugar, pero desde el vamos fueron muy cordiales. Realmente nos dio mucho gusto participar y esperamos que se repita en próximos años.

 

Celsio, enemigo para "Somy Somy"

Tuviste la oportunidad de publicar tu primer manga serializado: “Somy Somy Login Game” ¿De dónde nació la idea?

Los personajes de “Somy Somy” fueron en principio creación de Samanta y Fabián para la comunidad de Keiten. Estos personajes eran una suerte de mascotas del grupo, pero aunque había una suerte de trasfondo y se habían tenido en cuenta para un manga, la verdad es que no se había pensado en realizarlo.

Cuando me incorporo en 2010 me dan luz verde para crear algún personaje para el grupo de “Somy Somy”, y con ahora ocho personajes pensábamos hacer una serie de cortos para que las mascotas ganaran más adeptos. La idea estaba y habíamos empezado a hacer una suerte de argumento que enlazara los cortos de manera que tuviera algún sentido, y se terminan agregando dos personajes más para un total de diez. Aunque teníamos bocetos hechos faltaba un “algo”, un extra.

Era 2012 y ya teníamos ganas de darle forma aunque sea para autopublicarlo; y cuando el éxito y calidad de “Naneni Love” nos dio la confianza con la editorial como para presentar una historia episódica y de varios tomos, presentamos la idea de publicar “Somy Somy Login Game”. Quizás por esta nueva oportunidad fue que pulimos aún más el argumento: se dividieron los arcos argumentales, se crearon villanos y un objetivo final.
Si lo comparamos con las ideas iniciales que Samanta y Fabián tenían para esos personajes, la verdad la historia cambió y mucho. En mi opinión, para mejor.

¿Qué sentiste ante la recepción positiva que tuvo de parte del público?
Me pareció bárbaro, nos dimos cuenta que muchos chicos (especialmente los más jóvenes) se sintieron muy inspirados y sorprendidos de ver manga hecho en su propio país, muchos se acercaron a sacarse fotos con nosotros y a hacernos muchas preguntas. La verdad es una alegría inmensa. Yo tiendo a ser muy pesimista, y siempre considero que el producto pudo haber estado mejor. Pero que no se malinterprete: “Somy Somy” (especialmente en la reedición de 200 páginas) es un trabajo del que estoy muy orgulloso de cómo quedó el resultado final, especialmente en la segunda mitad del tomo.

¿Qué le aportó a tu experiencia como ilustrador?
Me ayudó mucho a poder adaptarme más a la narrativa, que es algo que tengo que mejorar mucho más que lo que tengo que mejorar en dibujo. A todos les tengo que advertir que para dibujar comics o manga no basta con ser un virtuoso del trazo, hay que saber contar secuencialmente, y muchas veces un guion malo acompañado de un dibujo magistral sigue siendo una mala historia; pero una buena historia con un dibujo simple sigue siendo una buena historia. Yo sigo tratando de encontrar el equilibrio y contar historias buenas, con buenas secuencias y dibujos que estén a la altura. Básicamente, para hacer buenos comics hay que hacer buenas páginas, no solamente buenas ilustraciones.

Actualmente participaste del lanzamiento del manga “El sacrificio de Deigamer” ¿Que nos podes contar de este nuevo manga?
Fue el primer trabajo que hicimos con un guionista que no formaba parte de Keiten Group y la experiencia fue enriquecedora. Tuve a mi cargo el storyboard, los bocetos y las tintas de las páginas, así que básicamente fue la primera vez que tenía bastante más control en la narrativa de la historia (siendo que en “Somy Somy” siempre planteamos las ideas entre los tres, pero el storyboard corre a cargo de Samanta y los lápices y tintas nos los repartimos entre los dos. Fabián se encarga del diseño gráfico, de páginas y la maquetación).“El Sacrificio…” fue además el primer trabajo que nos pidieron enteramente a color en el que Samanta se lució.
Del argumento no podría comentar mucho para evitar spoilers pero es una comedia con muchos guiños a videojuegos de todas las épocas, y más que nada de los que Deigamer ha jugado en su canal de Youtube. Mantuvimos un nivel de grafismo apuntado a un público juvenil y está resultando muy exitoso. 

Fan-art de videojuegos clásicos

¿Qué hace para vos que una ilustración sea exitosa?
Para que una ilustración sea exitosa… no sabría decirlo. Me interesa más que el dibujo sea reconocible a que sea exitoso. Es decir, que alguien vea un trabajo y diga “Ah, esto lo hizo Sergio” o “Es un dibujo de Mero” es muchísimo más valioso a que si se vuelve viral. Valoro muchísimo cuando hago algún dibujo que despierte algo en el público, ya sea nostalgia por algún personaje conocido de la infancia o por espectacularidad si es visualmente atractivo. Creo que el éxito del artista es cuando logra transmitir algo con su trabajo.
 
¿Tenés algún proyecto soñado o pendiente en mente?
Sí, me gustaría mucho aprender animación en serio, porque aunque puedo hacer un par de dibujos y que de sensación de que se mueva, un estudio completo de animación es lo que me gustaría alcanzar. Y con ello hacer videos musicales o cortos. También me interesaría publicar algún manga o comic en Europa o Estados Unidos, y llegar también a ser el diseñador principal de algún videojuego.
También me interesa que mis talleres de Manga se conviertan en cursos completos, ya que solamente podemos ver una pequeña porción de la punta del iceberg con la cantidad de clases de las que dispongo y es una pena. Hay mucha tela para cortar en ese aspecto. Esas son de momento mis metas a cumplir.

Por último ¿Qué consejos les podes dar a los nuevos talentos que buscan crecer y vivir de la ilustración?
Por sobre todo que se tengan mucha paciencia, que lograr dibujar de manera satisfactoria lleva tiempo y esfuerzo. Piensen en el dibujo como en un músculo, si no lo ejercitan diariamente se atrofia, y que no hay atajos para llegar a ser un buen ilustrador. Perseverancia y práctica constante son mucho más importantes que el talento.
Participen en concursos, muestras, busquen editoriales y muestren lo que hacen, no esperen a llegar a cierto nivel, porque nunca se alcanza la perfección en el dibujo: siempre se está aprendiendo o incorporando algo nuevo. Por sobre todo, no se rindan.

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