ILUSTRADORA CAMPANITAAA

Dedicada a lo que ama

Magalí Eliana Medina Dobarro es una ilustradora conocida como Campi, Campa, Belly e 
incluso Bambi. Nació en Lanús, partido de Buenos Aires, el 15 septiembre de 1989.

Estudia actualmente la licenciatura para ser arquitecta en la Universidad de Buenos Aires (UBA). También empezó a estudiar en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) para adquirir la licenciatura en artes visuales.

Hasta hace un par de años atrás solo dibujaba por hobbie. Ahora trata de focalizarse en lo que es su verdadera pasión y anhelo: crecer en el mundo del dibujo. Busca aprender arte, cursos de dibujo o manualidades.

Inició en las Jornadas del Manga y Anime llevadas a cabo en el Jardín Japonés en 2014, y desde entonces participó en muchos eventos y talleres que la han convocado y/o autoconvocó.

Ella es creyente en que cuando comienza con una nueva etapa de su vida, no significa que aparece de un día para el otro; en el camino hay que probar muchas cosas siendo lo principal prepararse, estudiar y formarse en todos los aspectos.

“Nadie nace sabiendo, son pocos los privilegiados que son tocados con la varita de la genialidad, y como justamente ése no es mi caso, siempre sentí que las cosas sólo se logran con perseverancia acompañada de mucho trabajo y esfuerzo”.

En la biografía de Facebook contás que tu sobrenombre proviene de una larga historia ¿Te animás a contarla?

Por supuesto, tampoco es una historia del otro mundo. Como bien saben, Campanita (o Tinkerbell) es un personaje de la obra de teatro y novela de James Barrie, que mucho después llegaría a película de Disney como Peter Pan. Esa fue mi primera película Disney junto a la Sirenita. A mis 4 años de edad me gustaban mucho ambas, pero con el correr de los años se fue convirtiendo en el apodo y temática de mi vida.
Y no solo por el hecho de gustarme el hada en general; el carácter y personalidad de ella es muy parecido al mío (mucho más cuando se enoja), porque si hablamos de apariencia no nos parecemos mucho salvo corpóreamente, pero no soy rubia platinada ni de ojos azules, soy petisa y robusta como ella.
En la escuela, ya de grande en primaria, me gustaban tantas cosas que a ella la había olvidado. Luego en secundaria (época terrible para la gran mayoría, sobre todo los que dibujamos) era muy devota a Disney y no demostraba mucho que me gustaba el anime debido al miedo y burla que me podía llegar a causar. Obviamente no tenía mucho carácter en ese entonces y era el hazmerreír de mi clase siempre.
Para los últimos años de la secundaria, a punto de recibirme, ingresa a la escuela una chica muy  bonita, que hasta encima se parecía a Campanita: era más chiquita que yo, cinturita de abeja, pelo rubio (teñido pero al fin platinado) y ojos claros pero marrones, y vivía diciéndole que se parecía a ella. Cuestión que al quedarle ese apodo, a mí también me lo decían, porque además de incorporárselo a ella, cuando hacia dibujos los firmaba como campanitaaa y atrás ponía mi nombre. El “campanitaaa” con tres A al final surge de una equivocación, al querer firmar se me habían ido dos A de más. Después, al querer hacerme una cuenta DeviantArt, “Campanita” y “Campanitaa” ya estaban tomados, así que quedó directamente Campanitaaa.
Cabe destacar que mi otro seudónimo, que no utilizo con frecuencia, es Maelmedo, haciendo referencia a la primer silaba de mis nombres y apellidos.

Su amor por las casas desde chiquita.

¿Te acordás cual fue tu primer dibujo y qué era?

Desde muy chiquita comencé a dibujar. Recuerdo que mi principal influencia fue la televisión porque no tuve la suerte de que mi familia fueran lectores (poco y nada).

Deslumbrada por Sailor Moon, Dragon Ball, Cartoon Network, Nickelodeon, Disney y demás íconos que hoy ya lo vemos como retro a pesar de ser hace casi tres décadas atrás. Me dedicaba horas y horas a copiar las imágenes que me habían quedado grabadas a la hora de tomar el mate cocido por la tarde. Mi familia también me ayudaba comprándome lápices y fibras a montón para dibujar.
Como no había muchas cosas de esos personajes salvo álbumes de figuritas, fue así como comencé a hacerlos por mi cuenta. Hacía mis propias historietas y posters de mis personajes favoritos también.

Si hablamos del primer dibujo que realicé en mi vida, lo recuerdo perfectamente ya que mi mama lo tiene guardado. Diría que fue un intento de familia: eran personas muy deformes. Con los años, en preescolar y primaria dibujaba a mis ídolos mencionados y casas, muchas casas, muchísimas (no me pregunten, solo dibujaba casas porque me gustan mucho como hoy día, seguramente sea una de las aspiraciones a mi carrera).
Si me preguntan por el primer dibujo que hice de anime bien hecho y prolijo, fue uno de Cardcaptor Sakura a mis 17 años. Lamentablemente no lo tengo más porque lo regalé (si, en esas épocas solía regalar mis dibujos, no los valoraba como realmente debía).

¿Por qué te decidiste por una técnica tradicional?

No creo que lo haya decidido, creo que es lo más fácil que me ha resultado todos estos años por el hecho de que nunca varié del lápiz. Como dije antes, nunca estudié dibujo, mucho menos hice cursos o pensaba en utilizar otro elementos para explayarme en más técnicas. Sólo no lo pensaba, mucho menos digital (es algo que siempre me va a costar hasta no dedicarme de lleno).

La decisión de utilizar lápices policromáticos ¿tiene que ver con la búsqueda de mayor volumen en tus ilustraciones o tenés alguna otra razón?
Buena pregunta. Tengan en cuenta que siempre use lápices de colores de distintas marcas, pero siempre comunes. Nunca acuarelables ni grafito ni policromos.
Cuando descubrí estos últimos me di cuenta que, a diferencia de los comunes, son muchísimo más maleables. Es decir, son más fáciles de usar por ser blandos, de colores definidos, de materiales y tintes durables y con muchas variedades de colores, lo que te permite mezclarlos e integrarlos entre sí.
Por lo general estos lápices son caros, quizá por eso la gente no suele trabajar mucho en ellos. Actualmente las personas prefieren trabajar en Photoshop, SAI, Ilustrator o programas similares, cosa que yo no comparto. Para mí es más satisfactorio el trabajo hecho a mano, aunque hay que estar 4 ó 5 horas frente a una computadora, eso es admirable.

¿Cómo describirías tu proceso creativo? ¿Tenés algún “ritual” antes de ponerte a dibujar?

Mi proceso creativo… nunca había pensado un nombre o una descripción. Yo diría que evolutivo, porque a diferencia de años anteriores, no solía dibujar tan seguido ni pintaba o no tenía esos ánimos o la autoestima suficiente como para animarme a dibujar realmente, a diferencia de hoy día que ya tengo forjado un propio estilo. Por eso lo describo así, porque si me pongo a comparar dibujos de un par de años atrás con los de ahora, el estilo no se modificó mucho, pero sí evolucionó en otros aspectos: colores, volumen, perspectiva, proporciones, etc. ¿Y un ritual? Yo diría tener el tiempo libre y las ganas sobre todo. Eso sí, siempre tener a mano mis lápices, sino no existo. Y cuando digo siempre es SIEMPRE.

 

¿Qué es lo que buscás expresar en tus ilustraciones?
Depende del dibujo. Generalmente la gran mayoría de ellos son alegres y demasiado coloridos (básicamente vómito de arcoíris). Quizás es lo que siempre quiero expresar en ellos, que tengan una presencia y esencia que a quien lo mire vea no solo el esfuerzo, sino también el amor que dejo en cada uno de ellos.

En tu proceso evolutivo desde que comenzaste hasta ahora, ¿qué influencias o ejemplos tuviste para mejorar tu técnica?

Ufff, si vamos desde un comienzo, digamos que fue una suma de muchas cosas. No solamente el seguir ídolos y dibujar personajes favoritos, sino que también las personas que son hoy día mis colegas y en gran parte grandes amistades, quienes no solo me brindaron su apoyo en esto, sino que también son grandes artistas e ilustradores a quienes admiro y aprendo de ellos.

Los conocimientos adquiridos en la carrera de Arquitectura ¿aportaron en alguna medida a tu lado artístico en el campo de la ilustración?
Muchísimo. Hoy día puedo decir que tengo una cierta prolijidad a la hora del planteo del dibujo en cuanto al delineado y muchos otros aspectos gracias al lenguaje gráfico amplio que brinda la carrera. Ofrece las mayores posibilidades para el estudio de todas las disciplinas relacionadas con la arquitectura y el arte del dibujo. Aunque cabe mencionar que el dibujo de la arquitectura es una parte específica del dibujo en general, pero posee características propias dada la complejidad de los objetos arquitectónicos. Mi área específica en cuanto a los dibujos en general se basan en estilo anime, manga, comic y caricaturas. Procuro incorporar algo de mi carrera, pero prefiero hacerlo lo justo y necesario.

Magalí exponiendo sus trabajos en el encuentro de ilustradores en el emergente bar.

En los eventos donde participás para exponer tus trabajos se genera un ambiente de amistad entre otros colegas ¿Qué nos podés contar de esa experiencia? ¿Y la relación con el público?

En realidad eso depende mucho del evento, los artistas y el lugar. Si hablo por mí, soy demasiado sociable y no tengo problemas con nadie, ni siquiera con aquellos colegas que tienen cierta rivalidad entre ellos (porque la hay, no todo es color de rosa). De hecho he participado no solo de eventos de tópico anime, sino que también otros de un estilo más under, no tan allegado a las caricaturas. Desde mi experiencia, doy las gracias a quienes hoy por hoy se convirtieron en amigos y me dieron un empuje a mostrar y explayar en todos los ámbitos lo que soy capaz de hacer, cosa que hasta hace dos años atrás no prestaba importancia debido a mi baja autoestima y círculo interno. Si bien contaba con el apoyo de gente que me alentaba, no era lo suficientemente fuerte como para sostener una postura de artista y valorar mis dibujos como tal.

¿Qué hace para vos que una ilustración sea exitosa?

Dedicarle tanto tiempo como amor. He realizado trabajos con muy poco tiempo, los cuales resolví y quedaron de una manera que quizás yo no esperaba pero que dejó buenos resultados de todos modos. Pero eso deja a pensar el “si hubiese dedicado más tiempo, hubiese quedado de tal forma…”

¿Tenés algún proyecto soñado o pendiente en mente?

Por supuesto, no solo recibirme de arquitecta y ejercer la licenciatura, formar parte de un proyecto de diseño o dirección en obra, sino que también perfeccionarme en cada área de dibujo en cuanto a técnicas y estilos. No solo para mí, sino para el día de mañana abrir un pequeño estudio en el cual pueda brindar enseñanza tanto en el ámbito artístico como en el técnico. Sobre todo para enseñar también maquetería, que es un área dentro de la carrera que a muy pocos los veo con entusiasmo abarcar. Hoy día con toda la tecnología y tiempos acortados, la maqueta es algo tan a priori en una presentación final que muchos las mandan a hacer. Me gustaría poder reintegrar nuevamente el amor y la pasión de estar haciendo hasta la trama de una piedra o una madera.

Por último ¿Qué consejos les podés dar a los nuevos talentos que buscan crecer y vivir de la ilustración?

Ya dije que para mí es fundamental estudiar (para cualquier cosa que uno se proponga ser en la vida). De esta manera, aquellos a los que les gusta dibujar también ¡sepan dibujar! Conocimientos básicos permitirán a aquellos que aspiran a ser profesionales y vivir de la ilustración a dar los primeros y correctos pasos.
Yo recomendaría, contando mi experiencia, hacer alguna carrera artística o taller lo más abarcativo posible, ya que si bien uno puede saber qué tipo de ilustración o estilo quiere hacer, puede ser muy útil tener varias herramientas a disposición a la hora de trabajar.
Muchas veces mis colegas me han preguntado si me gustaría aprender acuarela, Photoshop, etc. Son cosas muy específicas y estaría bien hacerlas, pero a manera de complemento después de estudiar dibujo, composición, color, modelo vivo, perspectiva, historia del arte y técnicas básicas como óleo, acrílicos, grabado, collage, etc. En un principio algunas pueden parecer innecesarias si buscamos algo puntual, pero que considero fundamentales para formar una base firme donde poder apoyarse. Es mi manera de pensar hoy día, lo que no quiere decir que se pueda hacer los cursos específicos igualmente, pero creo que los resultados son diferentes.
Queda en la decisión de cada uno hasta dónde quiera llevar su labor y está bueno remarcar que nada se puede aprender de un día para el otro. Pueden haber caminos más cortos y tentadores (como cursos de pocos meses) que pueden servir, pero que en realidad hay que pensarlos como un complemento, como una etapa. En realidad uno nunca termina de aprender en líneas generales y es fundamental tenerlo presente. Los caminos cortos son eso, te pueden servir por un tiempo, ¡pero no te llevan muy lejos!
¡Y nunca cruzarse de brazos ni rendirse! Por más baja autoestima que tengan, NUNCA se menosprecien en lo que hacen. Si no sale, se practica, si sale y no te gusta, seguir practicando, si sale y te gusta, continuar hasta superarse.

Si querés saber más sobre ella y sus trabajos podes seguirla por:

FACEBOOK: www.facebook.com/campanitaaamaelmedo
INSTAGRAM: www.instagram.com/maelmedo
DIBUJANDO: campanitaaa.dibujando.net
TUMBLR: campanitaaa.tumblr.com

ILUSTRADORA SABINA

Luchadora tenaz

Sabina Pilmayquén Daldovo es ilustradora y animadora profesional. Nació en Tartagal, Salta, pero se crió en Formosa. 
Trabajó en diferentes productoras de animación tanto nacionales como internacionales, entre ellas Illusion Studios (Argentina), Anima Studios (México), etc.
Además participó en varios eventos en Image Campus y hace más de dos años que da talleres de dibujo en su casa.

Actualmente está en la preparación de unos fanzines y participando en diversos challenges de dibujo. Tiene el gen del coleccionista (especialmente figuras de anime). Hoy nos contagia de su experiencia y amor por la ilustración.

¿Qué significa para vos ilustrar?

Ilustrar es casi todo para mí. El poder plasmar mis sentimientos en el papel y que las otras personas lo comprendan me llena. Creo en la frase de que “una imagen vale más que mil palabras”.

Rediseño de Sailor Neptuno

En algún momento afirmaste que te encanta dibujar cuerpos femeninos ¿Cuál es tu concepto de belleza en la mujer? ¿Por qué crees que la mujer a lo largo de la historia fue símbolo de belleza, inclusive por sobre el hombre?

Sí, no solo que me encanta dibujar mujeres sino que me es más fácil (risas). El concepto de belleza es algo ambiguo. Preferentemente me gusta dibujar voluptuosas y con curvas marcadas, pero las flaquitas también son lindas. Igualmente al dibujar personajes pulposos intento romper el “ideal” de belleza con el que constantemente bombardean en la vida real (flacas al extremo).

Personalmente, considero a la mujer más estética. Tiene más curvas, lo que la hace más delicada. También puede representarse de diversas maneras, así que la belleza que tiene es más variada.

Desde nuestra mirada notamos que tus ilustraciones en general tienen influencias japonesas (anime/manga), pero también de un estilo cercano al de Disney ¿puede ser? En tal caso ¿Cómo lograste unir ambos universos?

Yo empecé dibujando casi exclusivamente anime/manga. Aunque antes ya hacía talleres de bellas artes. Con el tiempo fui armando mi propio estilo adaptando lo que me gustaba de diferentes autores. Pero no solo fue Disney, sino también autores europeos, referencia de videojuegos y ¡siempre mucha anatomía!

¿Qué ilustradores históricos o contemporáneos admirás o tomás como modelo?

Hoy por hoy tengo varias personas a las cuales tomo como modelo: Jurion Joel, Loish, Omar Dogann, Asurelle, Qinni, Mioree entre otros.

Sabemos que trabajas con diferentes técnicas: acrílico, lápices, digital, etc. ¿Con cuál te sentís más cómoda? ¿Por qué?

Todo depende del tiempo. Si estoy muy apurada, el digital porque me da más opciones de corrección. Si tengo más tiempo, lápices de colores. Es con lo que empecé. Aunque últimamente me relaja mucho pintar con acuarelas.

¿Sus diferentes usos se basan en el tipo de trabajo que te toca encarar o es de libre albedrío?

No, siempre depende de lo que me piden. En general los acrílicos los uso en cuadros y en alteraciones de cartas de MTG. Y El digital más en las comisiones o los freelance, por ejemplo.

Bruja de noche (Ilustración digital).

Fanart de Rapunzel (acuarelas sobre papel).

Hace tiempo venís trasladando tu arte con acrílicos en cartas de colección o juegos ¿Cómo es trabajar en piezas tan pequeñas? ¿Nos podes contar un poco sobre el proceso de trabajo?

Y, es complicado (risas). Una carta relativamente sencilla me lleva más o menos 4 horas de trabajo. Uso varios pinceles y tengo que tener mucha luz para poder ver los detalles pequeños (lo que me cansa mucho la vista). He tenido cartas que me han llevado 9 horas más o menos.

Empiezo poniendo una base sobre el área que voy a pintar. Luego dibujo sobre esa base todas las modificaciones que voy a hacer y luego empiezo a buscar los colores más parecidos a los de la impresión. Siempre dejando secar el acrílico antes de proseguir. Hoy por hoy uso una cinta de enmascarar marca Tamiya para tapar todos los lados que no quiero retocar, antes usaba cinta de papel pero había muchas posibilidades de que me lastime la carta. Por ultimo lo que hago es darle una capa de laca mate, que me realza los colores del acrílico sin darle demasiado brillo.

En el 2015 participaste de diferentes proyectos de animación, como en Summer Lab 2015 y Soccer Cow ¿Qué nos podes contar de esta faceta tuya en la animación? ¿Cómo es trabajar en un equipo integrado por dibujantes, animadores, guionistas, etc.?

Originalmente yo hice la carrera de animación. Summer Lab fue divertido. Se trataba de hacer una animación que sirviera de Teaser para un juego que estaban creando los de la carrera de juegos, y ahí no solo animé, sino que tuve que estar como productora en conjunto con la profesora a cargo (a todo esto, yo me recibí en 2012). Animé la mayoría de las tomas, el pasado a limpio lo hizo otra chica pero yo las pinté. También participé en la parte de post-producción, así que podemos decir que estuve en todos lados en ese corto. Lo que sí, por contratiempos, lo entregamos mucho más tarde lo que debíamos. Pero mejor tarde que nunca.

Soccer Cow es una serie online, que la pasan por Youtube, donde participé a partir del capítulo 2. El estilo de animación ahí es diferente a la animación frame to frame que usamos en Bartender Time del Summer Lab 2015. Acá era animación cut out hecha en After Effects. Yo me encargaba de la gráfica. Eso significa que hacia los personajes y los props para que cumplieran las necesidades de la toma. Hoy por hoy la serie no continúa por falta de fondos.

 

Fanart de "Daoko- Girl".

También trabajaste en empresas de videojuegos ¿Qué papel desempeñabas? ¿Qué conocimientos te aportó?

Hice varias cosas, desde rigg de personajes hasta diseño de personajes y fondos. Ahí tuve que amigarme más que nunca con el Illustrator, por lo cual aprendí muchas cosas de vectorización.

Además de ilustradora y animadora das clases particulares de dibujo ¿Que nos podes contar de esta experiencia?

La idea fue de mi mejor amiga. Al principio yo no estaba para nada segura y la primera clase estuve muy nerviosa. Decidí hacer mis clases a modo de taller, corrigiendo sobre los errores. Ya hoy hace más de dos años que enseño y mis alumnos tuvieron muchos progresos, lo que me hace sentirme muy bien porque de verdad me gusta enseñar.

¿Tenés algún proyecto soñado o pendiente en mente?
Mi sueño es poder dedicarme de lleno a esto, a dibujar. Quiero publicar libros, principalmente y tenemos una serie planeada para hacer algún día.

Por último ¿Qué consejos les podés dar a los nuevos talentos que buscan crecer y vivir de la ilustración?
Mi consejo es nunca rendirse. Yo jamás pensé llegar tan lejos, pero jamás bajé los brazos. Se puede. Pero hay que ser perseverante, levantarse a las caídas. La insistencia es la base del éxito siempre y cuando es lo que de verdad quieras hacer.

Si querés saber más sobre ella y sus trabajos podes seguirla por:

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